レッスンメモのまとめ
レッスンを受けてきて、忘れないように箇条書きと
簡単な解説を作ってみました。
すべての事柄基本的には、ということで
すべてに例外があります。
【17】確実性と早弾きのために
ビリ付が起こる原因は左手の押さえが弱いから？？？。 それもあるかも知れないが、
多くは左手と右手のタイミングがズレているからではないだろうか。具体的には
左手が確実に押え切れていないのに右手で弾いてしまう。つまり左手の押さえが遅い。
このケースが割合い多いと思う。押さえの力が弱いからビリ付くと思ってさらに力を入れるのは、
力む悪循環になるのではないか。先に押えれば意外と弱い力でもビリ付かないものですね。
そこで、どう練習するかですが。
上昇スケールで ドレミファソラシド と弾く場合。
付点音符で、 ドっド レっレ ミっミ ・・・・と言うように弾いてみる。
次に後ろの短い音符の部分を休符にしてみる、 ドっン レっン ミっン ・・・・
次に休符の間に次の音の押さえをしてみる。 これをメトロノームに合わせて超ゆっくりに
できるようになったら、少しづつ速くしていく。
※付点音符の休符の間、音が切れるのが気になる速さの曲の場合は、複付点音符にするとかで対応。
下降スケール では、次の音は基本的に先に押えることができるので、
付点音符の感覚で先に押える。又は、音と音との中間で先に押える。
弦が変わる部分は上昇でも下降でも先に押えることができるので、先に押える。
特に大切なのは、下降スケールで弦が変わる部分は、左手４指になることが多いので
指が弦から離れる傾向にあり、押さえが遅くなることが多いので、速く押えることを強く意識する。
この練習をすると、最初は全く動かない。しかし、超ゆっくり辛抱強く練習すると。
だんだん動くようになってくる。ゆっくり動かすことで今まで使っていなかった動きの
脳神経回路をつなげるという意識で練習を重ねると良いと思う。
運転免許ととるために自動車学校で最初に車を動かしたとき、クラッチだ、チェンジだ、もろもろ・・・
一緒に操作しなきゃならなかった、あのときのパニックと同じで、考えなくても意識しなくても運転
できるようになる。と同じように意識しなくても動くようになるまでゆっくり練習が必要だ。
改めて感心するけど、人間の脳は凄い能力をもっていますね。
【16】難しい部分はゆっくり練習する
速いから弾けないような難しい部分は、弾けないフレーズの前後の繋がり部分を含んで取り出して
弾ける速度までゆっくりにしていき、確実に弾ける速さにする。
その時メトロノーム（１ステップづつ変更できる電子メトロノームが良い）を使って、
そのときの速さを楽譜に書いておく。弾けるようになったら、速さを１ステップ上げる。
その上げた速さで出来れば、又１ステップ上げる。間違ったら１ステップ遅くする。
そうした繰り返しをして、その日にできるようになった速さを楽譜に書き込んでおく。
それを続けて徐々に早くしていく。仮に１分間に６０で弾けたとしたら、６１ならできるはず。
器楽の演奏はそういった地味な積み重ねが必要と先生が言っていた。
この練習はミスをしてもＯＫで早くしてはいけない。ミスしたまま早くしていくと、ミスをする
練習になってしまう。脳と神経回路、筋肉にミスを教え込むだけなので、ミスをしない正しい動き
を体に覚えさせるようにするのが大切だそうです。それとミスをしないという集中力の練習にもなる。
以下私のゆっくり練習時の注意点追加メモ
・無駄な力が入っていないか。(左手、右手、体全体）
・無駄な動きはないか。（最小限の動きになっているか）
・音が充分伸びているか。（左手の都合で音が早く音が切れていないか）
・ポジション移動時に、次の押さえ（左手）の準備ができているか。
次に押える指が現在空いているなら、指を次に押える形に（近く）しておく。
空いていないなら、押えながら手の甲を次のポジション側に傾けておく。
左肘を次に押えるポジションに都合の良い形にして、位置も寄せおく。
左手親指の位置を次に移動する側に（都合の良い位置に）寄せておく。（ケースバイケース）
・右手のタッチがしっかりできているか。（太く芯のある音が出ているか）
・音のバランスは良いか。（メロディー部を大きく、他を小さく）
【15】和音のバランス は 高・低・中
和音が３つで構成されていル場合で、最上音がメロディーの場合
上声部を１番強く、低音部が次に強く、中音部が一番小さくする。
全部同じ音で弾かないで、良くバランスを聴いて弾くこと。
特に中音部が低音に近い音の場合この音が強いと響きが汚い。
ソル 練習曲１２番のように高音部がメロディーで、低音部がオブリガート、のように
ダブルの音で動く部分のような場合は、この低音部の上の音がオブリガートのメロディー音
なので低音を弱くする。
高音部が上昇、低温部が下降している、対位法の部分はどとらも独立しているので
強弱は上記の例外なのでバランスを考えて決める。
【14】対位法的なところ
メロディーが下降しているが、低音は上昇している場合は対位法を使っている。
こういう部分の低音部は重要なので、はっきり出す。
【13】曲が リズム系なのか、メロディー（を歌う）系なのかに分ける。
リズム系なら スラーを少なくして、リズムの切れが良くなるようにする。
メロディー系なら スラーをして滑らかに歌うようにする。
【12】ｒｉｔ.
楽譜に書いてなくても必要と思われるところは自由にｒｉｔ.して良い。
しかし、聴いている人は次を予測しながら聴いているので、予測から外れないように
自然にしなければならない。（予測しやすいようにと言ったら良いのかも）
そのためには、自分が指揮者になったつもりでタクトを振ってみると良い。
少しテンポを遅くするだけなのに、次に入るタイミングで間が空いてしまって遅すぎたり、
しないように、自然な形にする。
【11】同じ音が続く場合のテンポは前のめり
メリディーで同じ音が３つ位続く場合がある。こういう場合次の音（次の音の１拍目のことが多い）
に向かって基本的には前のめり（少しテンポを加速する）になる。
【10】フレーズのつながりは細かいテンポのキザミを頭の一部においておく
テンポ感を大きくとることは基本的には良いことだけど、フレーズの繋ぎには注意する。
フレーズの終わりのテンポは落とすことが多いが、次のフレーズにつながる部分は
頭のどこかに、小さなキザミを意識していることが必要。
小さなキザミを感じていないと、次のフレーズの出だしがズレることが多くなるので流れが
不自然な感じになりやすい。
【９】時間（テンポ）のコントロール
４小節が一つの単位で作曲されていることが多いなかで、２小節、４小節、８小節を
１つのフレーズとして（曲による）、上昇していくところは少しテンポを早くし、
下降していくところは遅くする。上昇時に早めた時間だけ下降時に遅くして、１フレーズの中で
帳尻を合わせる。言い換えると、１つのフレーズ単位の中では、インテンポで演奏した時間と
テンポを変化させたときの時間とを合わせてバランスをとるのが良い。
音が上昇していく部分はクレッシェンドしながらテンポも速めにするように盛り上げて
下降する部分はデクレッシェンドしながらテンポも遅くしていく。
それによって、よりクレッシェンド感、デクレッシェンド感が強調される。
これを使ってギターの音量が小ささを補うと良い。
曲全体を見通して、どこが盛り上がりで、どこで納めかを予め考える（設計する）。
そして練習して聴いて修正していくが、そこだけ修正するのではなく、
全体のバランスを考えて修正する。
上昇していきピークに達する部分が丁度真ん中ならば上昇と下降が同じ時間なのでバランスを
とりやすいが、ピークが真ん中より後ろにくる場合は、
（ａ）全体に平均して遅くする
（ｂ）徐々に遅くするが終わり近くをより遅くする
等の方法があるが、（ｂ）の方が良いように感じる。
ＣＤ等を聴いて、このｒｉｔ部分は良いのでと真似をしても、そこだけまねしても全体の中での
バランスをくずしてしまうので、おかしな演奏になる場合があるので気をつける。
（遅くした分だけ、それより前で早くする場所等を考える）
聞いている人が揺れを感じるためには、演奏者は１０倍くらいオーバーにして聴いている人に
ちょうどよく聞こえるくらいだ。
揺れを自然に感じさせるように急激にではなく、あくまで自然に聞こえるようにする。
この時間（テンポ）のコントロールが自在になると、聴いている人の心を掴むこと、
動かすことができるので面白い。（先生談）
【８】メロディーをはっきり弾く
メロディーが伴奏に埋もれてしまっていては、演奏者が何を表現したいのかが
分からなくなってしまう。
重音の場合上の音を強く出す。（例外あり）
【７】アポジャトゥーラ（倚音）
アポジャトゥーラとその解決は最初を強く、解決音を弱くが原則。
非和声音（不響和音）はしぶった不明瞭な音響になる。心理的にも予期した変化
が一時的にストップされるので不安に襲われる。そして、和声音に解かれると
安定感、満足感が得られる。
非和声音（経過音、倚音、掛留音、補助音、先打音、後打音）
【６】フォルテ（の持続）
フォルテは強くなのだが、打撃音的に強くではなく、強さを持続するようにする。
エチュード２番の２小節目のソの音（四分音符）はフルートで演奏すると、
発音から音がさらに増すように弾かれるように感じる。ギターでは発音したら後は
音が減衰するのみなのだが、そのような感じに弾く必要がある。
そのためには気持ちを、そのように感じることが大事だが、その部分のテンポを
少し遅くするようにすると、音が充満して膨らんでテンポが膨らむ感じにすると良い。
【５】音が上昇していくときはクレッシェンド
原則として、音が上昇していくときはクレッシェンド。
下降していくときは、デクレッシェンドとする。
※フランスの音楽の場合上昇していく場合にデクレッシェンドになる場合がある（らしい）。
これはフランス語の発音に関係している。
前の音が強迫で、次の弱拍が高い音になった場合、どうするか。
この場合は弱拍だから弱くする。単なる弱くではなく、力を抜くような感じに。
強く弾くべき所を弱くすると以外な感じで、印象的に残るような場合があるけれど、
そういう風に「弱いけれど印象に残る感じ」にする。
【４】クレッシェンド
クレッシェンドは「リズムを保ちながら」だんだん大きくする。
（クレッシェンドの記号のように直線的に大きさを変化させるのではなく）
ソル２０のエチュード（セゴヴィア版）２番の２４小節の２拍目の１６分音符の
１番目と２番目にスラーが付いているので２番目は１番目より自然と小さくなる。
しかし、３番目４番目にはスタッカートがついていて、クレッシェンドなので
３番目より４番目を大きくしてしまう誤りをしてしまったが、４番目は小さくする。
【３】シンコペーションはアクセントを変える。
例えば４拍子の場合は、次のようになる。
ｖ（アクセント） ｖ（ここに移る）
タン、タン、タン、タン これが、タ、タンタ、タン、タン
【２】小節の最後の拍は息を吸いながら弾く
最後の拍は次の小節の１拍目の誘導のような感じで
指揮者がタクトを上に振り、次の１拍目で下に振り下ろす。このようになるので、
最後の拍は息を吸いながら弾く感じで弾く。吐きながら弾くと１拍目のように
聞こえてしまう。（おそれがある）
【１】基本リズムを守る
４拍子なら、強、弱、中強、弱 を守る。
１拍を２つに割った場合。割った２つ目は裏拍、裏拍は弱く短く(ｽﾀｯｶｰﾄぎみ)。
１拍を４つに割った場合、その中にも 強、弱、中強、弱 が存在する。